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The Walking Dead (série VS comic book)

En ce moment, je vois des zombis partout. Je regarde par la fenêtre et me dis : et là, si une horde de viande morte vagissante s’approche, je fais quoi ? Je rester au balcon de mon 1er étage en barricadant mes portes ? Ou je tente… je tente quoi d’ailleurs ? Je n’ai pas d’armes à la maison, à peine un marteau… Note pour plus tard : s’acheter un sabre pour décapiter la boulangère… enfin juste si elle se change en zombi hein ! Vivante, j’ai un très bon rapport avec elle. Mais qu’est-ce que je raconte ? Faut vraiment que j’arrête The Walking Dead. Entre nous, je viens de terminer simultanément le tome 15 du comics en VF (paru il y a quelques semaines maintenant) et la saison 2 de la série TV. Deux avatars d’un même univers imaginé par Robert Kirkman. Sur IDDBD, nous avions déjà parlé des premiers volumes dans une chronique. Si le comic est passionnant, quoique un peu convenus depuis quelques albums, la série TV est quant à elle beaucoup plus controversée. En effet, cette dernière ne suit que de très loin les grandes lignes directrices de l’œuvre originale. La saison 2 est assez étonnante pour des lecteurs assidus car si nous sommes bien dans les lieux de l’action du comics, rien ne se passe comme prévu. Robert Kirkman, pourtant co-scénariste de la série TV, n’est pas fidèle à son histoire ! Incroyable trahison ! Honte à lui ! Et pourquoi pas ? Dans les adaptations, il y a deux écoles, celles qui suivent à la lettre (cf Tony Parker et l’adaptation de Blade Runner) et ceux qui utilisent la matière première pour aborder l’histoire d’une nouvelle manière afin de surprendre le quidam. Personnellement, j’aurais apprécié retrouver les mêmes éléments, c’est rassurant (surtout dans cet univers). Pourtant, je me souviens encore des émotions reçues à la lecture des volumes papiers, des rebondissements et des angoisses. Revivre la même chose, oui mais est-ce la bonne solution ? Pourquoi se contenter d’une redite quand on peut redécouvrir l’univers d’une autre manière ? Comme dans un jeu de rôle où malgré des passages obligés, il est possible de jouer d’une manière différente. Pour moi, ce choix est plus enrichissant et plus fort. Dans ces deux mondes parallèles, les Rick, Dale, Lori, Carl, Andrea ou Shane vivent des événements différents en prenant des risques différents. Après, la qualité intrinsèque de la série TV est discutable évidemment. Personnellement, j’avais été enchanté par la saison 1. 6 épisodes à fond, entrainant toujours vers une peur plus grande malgré un dernier épisode un peu particulier. La saison 2 est plus inégale avec 3 premiers épisodes franchement terribles, puis des moments assez inégaux, comme ce dernier épisode qui me laisse un goût mitigé. Bref, une saison montée sur courant alternatif. Beaucoup de temps morts (si je peux dire ça) – comme dans le comics d’ailleurs – qui ne correspond pas forcément au format télévision. Mais une série qui marque les esprits par des scènes particulièrement réussies qui redonnent les frissons habituels (fin de l’épisode 7 notamment). Bref, une série à suivre pour tous les amateurs et pour les autres, je vous conseille la lecture d’un comics de zombis pas tout à fait comme les autres ! Cette mini-chronique boucle mon challenge Reading Comic Book Challenge de Mr Zom…. Aaaaahh, mais c’est pas vrai ! Quand je vous dis que je les vois partout ! J'ajoute un petit trailer de la saison 1, histoire de... Âmes sensibles, s'abstenir !!

Chronique | Daddy’s Girl (Dreschler)

Lily est un ado américaine. Elle a deux sœurs, des parents, vit sa petite vie d’ado américaine moyenne. Seulement quand la nuit tombe et que tous dorment dans la maison, son père se glisse dans sa chambre. Lily doit devenir alors la « gentille  fille à son papa »…

Dire et montrer

Debbie Drechsler est une artiste touche-à-tout, peintre, graphiste, maquettiste, illustratrice et parfois, auteure de bande dessinée. Daddy’s girl est un recueil d’histoires paru initialement dans plusieurs revues américaines entre 1992 et 1996. C’est donc un travail sur le long terme pour l’auteur de Summer of love (également chez L’Association) mais surtout un travail de mémoire. Car, si tout n’est pas autobiographique, les événements racontés ici sont largement inspirés de son histoire personnelle. Dans la bande dessinée, les malheurs de l’enfance ont parfois été abordés de manière très indirecte par de jolies allégories ou des métaphores bien choisies. Je pense par exemple aux Trois Ombres de Cyril Pedrosa. Or, dans le cas de Daddy’s Girl, il n’y a justement pas de chemins détournés. Frontal et rude, aussi présent que ce père dans la chambre de sa fille, nous entrons dans le vif du sujet dès les premiers instants par cette histoire introductive Visiteurs dans la nuit aux pages crument violentes. Le graphisme choisi est tout sauf académique. Il est sombre et torturé, tout sauf « beau ». Et heureusement. En effet, il ne faudrait pas lier ce qui est de la perversion érotique comme peuvent l’être les travaux d’un Manara par exemple, à cette machine infernale de domination et de violence. Ici les formes du corps sont absentes ou déformées, les visages serties de lèvres surdimensionnées, le travail du noir – malgré quelques histoires en couleur ou bichromie - rend à chaque fois l’atmosphère lourde. Rien n’est serein dans cet univers. Mais cela n’empêche pas un sens de la composition et du cadrage intéressant qui donne une véritable dynamique à un dessin que l’on pourrait faussement croire figé.

La mécanique du pire

En suivant le personnage de Lily sur plusieurs années, nous découvrons au gré des histoires le phénomène et son fonctionnement : la solitude de la victime, l’angoisse de la découverte, son sentiment de culpabilité et surtout l’abominable normalité de son bourreau. Car si le père n’est pas omniprésent dans ce récit, sa figure est celle d’un homme plutôt simple. On l’imagine aisément jouant son petit rôle d’américain moyen dans sa communauté, lisant son journal le matin, faisant l’aumône aux pauvres. Qui pourrait dire qu’il viole sa fille dès qu’il est seul avec elle ? Personne. Et sans même chercher à faire passer ce message, Debbie Dreschler laisse une marque dans nos esprits. Le masque ordinaire de la cruauté. Certaines histoires sont particulièrement révélatrices comme, par exemple, celle des premières relations amoureuses entre Lily et un garçon. Relation qui est évidemment assez mal vécue par le père. Celui-ci lui rappelant sans cesse qu’il sera toujours le seul et unique homme de sa vie. On est ici dans la manipulation et le lavage de cerveau le plus pervers. La grande force de cet album est de ne pas se refermer sur le seul point de vue de l’inceste. Par le format d’histoires courtes, Debbie Drechsler s’offre la possibilité d’aborder la vie de Lily sous divers aspects et même parfois sous l’angle d’un autre personnage. Ainsi, on voit la jeune femme se forger par delà son malheur, rencontrer d’autres personnes, découvrir d’autres horizons. Le lecteur peut ainsi percevoir les évolutions de l’héroïne et voir comment cette dernière grandit malgré cette menace et ce lourd secret difficile voire impossible à partager, excepté avec son journal intime… ou en la dessinant sur des planches de bandes dessinées quelques années plus tard. Œuvre forte abordant un sujet difficile et complexe, Daddy’s girl est le récit d’une âme violée, déchirée par l’enfance mais qui malgré tout réussi à se relever. Un message dur, parfois difficilement soutenable mais qui cherche à montrer que les solutions sont possibles. A lire, à faire lire, à recommander pour que ce message passe enfin. A lire : l'interview de Debbie Drechsler et la chronique de cet album sur du9 A lire : la très bonne et très fine analyse sur leblog "Les lectures de Raymond" A noter : Cette chronique s'inscrit dans le Reading Comics Challenge de Mister Zombi. Option "A mort les super-héros" encore une fois...
scénario et dessins : Debbie Drechsler Editions : L'Association (1999) Collection : Eperluette Edition Originale : Fantagraphics Books / Drawn & Quaterly (1992-1996) Public : Adulte / ados prêt à lire ce genre de livres Pour les bibliothécaires : Oeuvre sans doute pas assez connu d'une auteur de grand talent. A acheter.

Chronique | Wanted (Millar & Jones)

Petit employé harcelé par sa patronne, cocufié par son meilleur ami, souffre douleur d'une bande de rue, Wesley Gibson mène une existence qu'il qualifie lui-même de merdique. Mais un jour, Fox débarque dans sa vie et lui apprend la vérité. Il est le fils d'un super-vilain et doit hériter de son père qui vient de se faire assassiner. Mais pour toucher plusieurs millions de dollars, il lui faut devenir à son tour un super-méchant. Pas facile quand on a été militant pacifiste et victime toute sa vie...

Fuck Superman

Ami de la poésie, arrêtez tout de suite de lire cette chronique et ne prenez même pas le temps d'ouvrir ne serait-ce que la page de titre de ce one-shot ! Sachant qu'un joli doigt vous attend dès la premières planches et que put*** est le mot le plus utilisé dans cet album, vous comprendrez que je ne vous le conseille pas. Je ne m'en suis jamais caché. La bande dessinée super-héroïque n'a jamais été ma tasse de thé. Même si on ne peut que reconnaître la grande évolution des super-héros depuis les années 80 avec notamment des auteurs de grands talents comme Alan Moore, BM Bendis, Frank Miller, c'est un genre qui, par son manichéisme un peu trop prononcé et sa bonne morale, ne m'a jamais transporté. J'ai eu beau lire les Strange de mes grands-frères quand j'étais plus jeune, j'en suis resté là, peut-être à tord. Mon intérêt pour la BD américaine n'est venu que plus tard avec des auteurs comme Seth, Harvey Pekar, Crumb et bien sûr Spiegelman. Et c'est sans doute pour ça que j'ai pris un put*** de pied avec cet album ! Wanted est de la même trempe que des séries comme Transmetropolitan ou Preacher. On y retrouve la même irrévérence pour les figures héroïques de la culture populaire américaine. Mark Millar et JG Jones s'attachent à perpétrer la tradition de leurs petits camarades de jeu. Ainsi graphiquement, on retrouve le style plutôt académique du mainstream avec une composition qui met à l'honneur l'action et le rythme. Le scénario quant à lui est ponctué de guerre des gangs et de jeu à celui qui sera le plus pourri. C'est comme souvent dans ce cas, un concours de celui qui aura la plus grosse. No comment.

Sous le crado, le père...

Mais là encore, Mark Millar joue avec les codes pour nous permettre de voir dans cette suite de coup de feu et de mots ordurier quelque chose de bien plus intéressant. Il faut gratter le gras et le visqueux pour découvrir un peu de brillant. Déjà, au premier niveau de lecture, Wanted est un défouloir et sur ce point, c'est une vraie réussite. Qui n'a pas eu envie un jour de mettre des claques au super-héros ? C'est chose faite avec cet album. Ensuite, Wanted n'est pas qu'une suite de bagarre, c'est aussi une jolie parabole sur l'éducation et son héritage. La première partie de l'album correspondant à l'apprentissage de Wesley se révèle être un moment intéressant malgré toute sa violence. Élever par sa mère dans un souci de respect des codes sociaux, le voici rééduquer pour développer ses dons naturels en devenant une machine à tuer. Ainsi, on voit le processus qui lui permet de prendre conscience de ce qu'il est véritablement. Mais est-il un tueur né ou s'agit-il simplement d'un lavage de cerveau digne des plus belles pages de l'histoire de l'endoctrinement ? That is the question comme disait Rambo ! Qui est le plus heureux, celui qui respecte ou celui qui transgresse ? Je vous laisse découvrir la réponse. Wanted porte également un point de vue intéressant et pour le coup à 200 millions d'années lumières d’œuvres comme Little Star, Le fils de son père ou Chaque Chose. Ici, on parle de la paternité d'un super-vilain, du cas de conscience et de l'amour presque impossible que cela suppose. Et comment s'en sort-il ? En lui proposant de devenir comme lui ! Le pire des pères qui impose sa façon d'être ! La paternité d'un méchant est un angle d'attaque qui, à ma connaissance, n'avait jamais été abordé dans une bande dessinée (hormis peut-être le Peter Pan de Loisel). Évidemment, on pense à Darth Vador mais je ne sais pas si le rapprochement est valable pour le coup.

Méchant contre méchant

Si la partie « apprentissage » est bien plus jouissive qu'à l'accoutumée, en général chez les super-héros la découverte des pouvoirs est une période plutôt laborieuse pour tout le monde, ce one-shot souffre malheureusement d'une chute de rythme et retombe un peu trop rapidement dans un schéma « superhéroïque » plus classique. Car après le temps de je-deviens-un-méchant vient celui de l'affrontement. Affrontement un peu spécial entre moins pourri et plus pourri, encore un peu manichéen même si, pour le coup, il n'y a que le côté méchant qui joue. Je regrette un peu cette chute et aurait aimé un scénario moins conventionnel qu'on aurait été en mesure d'attendre au vu du départ même si les rebondissements spectaculaires ne sont jamais très loin dans cet album. Quant à la fin, elle est à la hauteur des espérances de départ, originale quoiqu'un peu démago. Wanted est donc un album qui se situe entre la vague mainstream et la bd d'auteur. A la hauteur de ses petits camarades de jeu comme Preacher ou Transmetropolitan, c'est un album absolument jouissif et défouloir qui permet par le biais de clin d'oeil bien placé de mettre un peu en boîte les héros populaires de la bd américaine. Il souffre toutefois d'un petit essoufflement en cours de récit. Mais c'est un album qui vaut le détour pour son côté transgressif. Pour lecteur averti et si possible non-psychopathe ! A lire : la chronique de Scifi-Universe et du blog La Loutre Masquée A découvrir : une présentation en parralléle du film et du comics sur le Figaro A noter : Cette chronique s'inscrit dans le Reading Comics Challenge de Mister Zombi
scénario de Mark Millar dessins JG Jones et Dick Giordiano couleurs Paul Mounts Edition : Delcourt, Collection Contrebande (2008) Edition originale : Top cow Productions (2005) Public : Adulte, lecteurs avertis Pour les bibliothécaires : Un One-shot à avoir dans une collection BD US de qualité. A éviter pour les petites structures avec des lecteurs un peu "pointilleux"

Chronique | En Mer (D.Weing)

Dans un endroit que l’on imagine être l’Amérique ou l’Angleterre du 17e siècle, un colosse, poète sans le sous en manque d’inspiration, écume les bars d’un port. Kidnappé pour servir de matelot dans un navire en route pour Hong-Kong, il se frotte à la dure réalité de la vie en mer. (synopsis éditeur)

A la recherche de la poésie

Utiliser le terme poésie à longueur de chroniques afin de montrer toute la capacité d’une œuvre à nous emmener vers des horizons narratifs inattendus, c’est un peu le défaut de nombreux blogueurs (et je m’inclus dedans). Pourtant, parfois son utilisation n’est pas galvaudée quand, au détour d’une librairie, au coin d’une pile de livre aux couleurs fluorescentes ou vaguement marronnasses genre grosses épées et filles dénudées, on la découvre sous les airs insoupçonnés d’un petit livre aux couleurs d’embruns et aux dorures subtiles. En Mer est l’histoire d’un poète devenu marin. Ou d’un marin devenu poète. Ou d’un homme. Non pas d’un homme comme les autres, d’un colosse haut et large comme deux colosses. Un sur-homme aux mains et pieds gigantesques qu’on s’attendrait à retrouver dans les séries plus grands publics américains mais qui est échoué là, sur l’île de la bande dessinée indépendante. Que fait-il ce personnage sans nom dont l’âme semble prise au piège dans un corps trop grand, dans un corps trop fort ? Il dort, cherche l’inspiration sans la trouver, fait des poèmes mais n’écrit pas de poésie. Personnage perdu graphiquement, personnage perdu tout court. Et c’est la rupture, le mot qui définit le mieux la démarche de Drew Weing. En effet, En Mer est un œuvre où brutalité, subtilité, intériorité, camaraderie, travail physique et écriture se côtoient, se croisent, s’imbriquent sans jamais s’éclipser totalement. La poésie de cette histoire ne naît pas de jolis mots bien emmenés - le récit est presque muet d'ailleurs - mais par la cohabitation de ces états successifs permettant de découvrir, non pas des trésors enfouies sur des îles perdures, mais une véritable richesse intérieure qu'on n'aurait même pas imaginé à la lecture de la première planche.

Subtile simplicité

En Mer est également –  ce que j’ai qualifié en référence à l’œuvre de Marc-Antoine Matthieu – un « anti-3 secondes ». Si ce dernier multipliait les cases pour montrer une utilisation potentielle de la bande dessinée, Drew Weing fait strictement l’inverse en ne jouant que sur une seule case par planche. Oui, une seule case par planche. Bon, ben ce n’est pas de la BD alors ? Déjà, si dans 3 secondes quelques cases étaient véritablement utiles (le reste étant des intervalles à mon goût d’un intérêt limité), ici chaque dessin est à la fois porteur d’une idée et moteur pour la suite. Du coup, on se laisse entrainer par un séquençage quasi-naturel renforcé par une utilisation de la double page bien pensée. De plus, son choix d’une case par planche permet de gérer la temporalité de l’histoire. Vous le constaterez, Drew Weing joue sans cesse avec le temps de son récit. Il peut lui donner un rythme classique (temps présent, simple), le faire accélérer, le ralentir voire même lui faire faire du surplace. Un procédé qui se relève très astucieux, qui évite l’ennui et surtout, qui sert son récit.

Un récit total

Car, tout est au service du récit : le graphisme des personnages jouant sur les aprioris graphiques de ses lecteurs s’attendant à un récit d’aventure en découvrant des personnages cartoonesques, la composition case par planche qui se révèle être un jeu subtil mais aussi la dimension physique du livre qui est elle-même un aspect important de l’œuvre. Qu’entends-je par là ? Je suis désolé mais je vais devoir spoiler un peu donc si vous n’avez pas lu En Mer, vous pouvez peut-être passer au paragraphe suivant. Je reprends : le format du livre type XIXe siècle, sa page de titre (avec la gravure et le terme « illustré ») et son titre lui-même ne sont pas sans rappeler le recueil de poésie écrit par notre héros et qui lui vaudra cette paix recherchée. Oui, ce livre est LE livre. Il serait facile d’y voir un parallèle avec le parcours de Drew Weing qui a mis 5 ans à écrire. Et si le but de ce livre n’était pas autre chose qu’une réflexion autour du pourquoi fait-on un livre et la recherche de l’inspiration ? Sur la forme comme sur le fond, En Mer est un livre réussi. C’est une œuvre dense et subtile, jouant sur les ruptures et les paradoxes afin de désarçonner son lecteur pour l’emmener, loin très loin, non pas au milieu de la mer, mais en lui-même, dans une réflexion intérieure qui lui donnera envie de rouvrir ce livre, comme on parle à un camarade, sans trop de discours inutile. Ici, graphisme, composition et scénario sont en harmonie et offre un panel narratif superbe. Un livre joyeux et d’une humanité rare. Beau. A noter : Cette chronique s'inscrit dans le Reading Comics Challenge de Mister Zombi (option Mort aux super-héros encore une fois !).
dessin et scénario : Drew Weing traduction : Fanny Soubiran éditions : çà et là (2011) 13€ éditions originales : Fantagraphics Books (2011) public : Ado-adulte pour les bibliothécaires : A faire découvrir absolument. Une œuvre accessible à tous les publics. Se lit vite, ne s'oublie pas.
 

Chronique | Milady de Winter (T.1)

Pendue à un arbre totalement nue, la comtesse de la Fère n’est a priori plus qu’un cadavre. Mais miraculeusement, elle reprend vie et réussi à se dégager. Rentrant au château, elle apprend que son mari s’est enfui après lui avoir fait subir ce sort funeste. Qu’à cela ne tienne, elle part à son tour, pour oublier sa vie antérieure et surtout cacher son infamie. Finalement la comtesse est bien morte car une nouvelle femme est née de ces malheurs… Une femme aussi dangereuse que belle, l’espionne préférée de Richelieu, ennemie des mousquetaires… La légendaire Milady de Winter !

Adaptation, réinvention

Même si adapter Les Trois Mousquetaires d’Alexandre Dumas est un pari ambitieux, il n’est pas d’une folle originalité. Étant donné le nombre de films, livres, dessins animés et même bandes dessinées sur le sujet, réussir à faire quelque chose de véritablement différent n’est pas chose aisée. Mais prendre comme héroïne principale, la méchante de service, la femme la plus machiavéliques de la littérature classique, la belle et intelligente Milady de Winter est déjà en soi un sacré pari ! Une idée certes simple mais qu'il fallait osé. D'autant plus que c'est une excellente surprise car on redécouvre ce personnage sous un autre jour. Agnès Maupré réussi l'exploit de réinventer ce mythe tout ou gardant son essence. Un grand travail de réappropriation ! Cette Milady est une femme splendide à l’apparence aussi légère et gracieuse que le trait aérien et faussement naïf d’Agnès Maupré. Un  trait dans la même lignée qu’Aude Picault (Transat, Comtesse) ou Lucie Durbiano (Orage et desespoir, Le rouge vous va si bien) et surtout Joann Sfar avec qui elle a longtemps travaillé.  Mais sous ce masque se cache une écorchée, une romantique déçue, une femme originale qui porte sur le monde un regard d’une grande lucidité. Cynique pour les uns, charismatique pour les autres, opportuniste, vengeresse et manipulatrice, vous apprécierez sans aucun doute ce personnage finalement très humain, se laissant aller à ses envies dans l’intimité et totalement en contrôle lorsqu’elle sort dans le monde, capable de colère et d’amour sincère, capable de vengeance et d’érotisme.

Anti-héros et héroine

Mais une belle héroïne ne suffit pas pour réussir un album. Milady n'aurait pas cette présence sans la galerie de personnages issus de l’œuvre originale. Ils sont autant de miroirs déformant la belle. Et là, Agnès Maupré s’en donne à cœur joie en prenant le contre-pieds de l’imagerie populaire. D'Artagnan et ses amis mousquetaires, la Reine, le Duc de Buckingham, Constance, homme ou femme, chacun subira la férocité de la scénariste : quand la gente masculine apparait comme des phallocrates de première catégorie pris entre leurs pulsions sexuelles et leurs romantismes douteux, les femmes ne sont que manipulations, suffisances et imbécilités. L'idiotie, l'apparence et la morale sont les deux mamelles de l'univers de cet album. Finalement, un seul personnage secondaire semble s'en tirer avec les honneurs… le Cardinal de Richelieu ! Transformé en mentor (voire en double) de la belle espionne, il apparaît comme l'homme politique manipulateur et malin. Tout aussi cynique que sa protégée, on lui doit quelques unes des plus belles répliques du livre : « une homme d’état et une espionne ! Nous ne pouvons nous comporter comme si nous étions du genre humain ». Bref, un personnage plus à la hauteur de sa réputation ! Ces anti-héros apportent chacun une pierre pour comprendre le mur qui sépare notre héroïne du monde commun. Et qu'y voit-on ? Une femme résolument moderne, intrigante, contrainte par la vie à chercher une indépendance dans un monde dirigée par des lâches et des bandits. Finalement, on se pose une question : cette bd est-elle féministe ? Pour moi, c'est surtout un portrait passionnant de femme que je rapprocherai aisément de Martha Jane Canary, autre très bonne bande dessinée racontant la vie de Calamity Jane. Il y a une très grande force dans ces deux héroïnes mais chacune d'elle reste humaine et fragile même si la vie ne les y autorisent pas. C'est sans aucun doute la faiblesse du personnage de Milady mais en aucun cas de cet album. Pour conclure, on ne peut que vous conseiller la lecture de cet album. Une adaptation originale d'une très grande qualité. Beaucoup de rythme et un vrai plaisir de lecture. Même en connaissant l'histoire originale, les surprises seront au rendez-vous ! Une très grande maîtrise de la jeune Agnès Maupré. Série et auteure à suivre... et de près !
scénario et dessins : Agnès Maupré d'après Les Trois Mousquetaires d'Alexandre Dumas Editions : Ankama , 2010 Public : Ado-adultes Pour les bibliothécaires : alors que nous achetons a peu-près toutes les  catastrophiques adaptations littéraires en bande dessinée sous le prétexte que se sont des adaptations de grands livres, ne passons pas à côté de ce petit bijou !
palsechesA voir : la très bonne critique de Sébastien Naeco sur Le Comptoir de la BD A découvrir : le blog d'Agnès Maupré A lire : les 10 premières planches sur BD-Gest' A noter : cette lecture ayant été conseillé par Tristan de Bulles & Onomatopées, elle entre donc dans le cadre du challenge "Pal Sèches" de Mo'.

Chronique | Berlin

2 volumes scénario et dessins de Jason Lutes Editions Delcourt (Seuil pour l'édition originale du vol.1 en 2002) Public : adulte Pour les bibliothécaires : une fresque romanesque assez incontournable dans son genre

"Berlin a été construite sur un marécage. J'espère qu'il en restera plus qu'un tas de cailloux."

1929, Marthe Müller est dans un train pour Berlin. Jeune artiste issue de la grande bourgeoisie, elle part prendre des cours dans une école d'art. Mais bien plus que de nouvelles approches artistiques,  elle va découvrir la réalité de la capitale allemande, lieu de toutes les rencontres, lieu où les déchirures de la société allemande se font chaque jour plus grandes entre les groupes politiques et religieux, une société où pointe déjà les germes d'une menace brune… Voici une œuvre singulière, un récit quasi-documentaire sur l’histoire de Berlin, non pas sous la dictature nazie, mais quelques années plus tôt, avant tous les évènements qui ont marqué l’histoire de l’humanité. Jason Lutes a réalisé une œuvre ambitieuse avec ces deux pavés d’une rare densité. Graphiquement, il fait dans la sobriété avec une approche bien plus voisine de la tradition ligne claire européenne (Hergé évidemment mais également les années 80 avec Floc'h, Ted Benoit) que de la BD américaine. Ici, tout est propre, efficace et détaillé… totalement dans l’esprit du récit lui-même. En effet, les grandes qualités de cette série repose sur une densité narrative rare pour de la bande dessinée et un graphisme trop fourni aurait sans doute alourdi la lecture d’une œuvre déjà conséquente. Conséquente est un mot un peu trop léger pour décrire le travail de Jason Lutes tant son approche micro-historique constitue un véritable travail de fourmi, un batîment construit de dizaine de milliers, voire de millions de pierre. Et ces pierre sont les berlinois eux-même. Capable de passer avec fluidité de l’intimité d’une famille juive-allemande aux bas-fonds de la rue, des ouvriers bolcheviques aux discours solennels des nazis, multipliant les personnages et décrivant leurs vies, leurs espoirs et leurs malheurs, Jason Lutes créé un monde et dresse le portrait d’une bulle urbaine, reflet des malaises, des espoirs et des blessures de la société allemande de l'entre-deux guerres. Le Berlin de cette période (1929-1930) – rarement traité dans les œuvres de fiction consacrées à l’Allemagne contemporaines – est un écosystème en mouvement bâti sur des paradoxes : les luttes entre les communistes et les nationalistes, l’arrivée des musiques américaines, les errements et les drames de la politique instauré par la maladroite république de Weimar, la misère de la crise économique, l’insouciance de la bourgeoisie, l’inquiétude des intellectuels… Ces paradoxes amènent des luttes rappelant que dans les écosystèmes, seuls les plus forts, les plus malins ou les plus opportunistes survivent, ils aident surtout à comprendre la situation en remettant en lumière le terreau qui fit basculer l’Allemagne dans le totalitarisme trois ans après les événements décrits dans Berlin. Si on peut discuter à propos de certains personnages parfois caricaturaux – ou représentatifs ça dépend des points de vue – cette série est une véritable leçon d’histoire. Rarement la notion de roman graphique n’aura aussi bien porté son nom. Des heures de lecture pour des thèmes forts abordés avec beaucoup de justesse. Dans le méandre de ces vies, on ne se perd miraculeusement pas et au détour des rues de Berlin on retrouve la grande histoire. En refermant ce livre, on ne peut s’empêcher de penser à l’après. Qu’adviendra-t-il de ces personnages ? On imagine leur avenir. Celui des juifs-allemands bein entendu, mais aussi des communistes, des marginaux, des artistes, des homosexuels, bref de tous ces gens qui pour une raison ou pour une autre ont pensé et vécu dans les rues de la capitale allemande, des êtres que l'ont a croisé sous le trait de Jason Lutes. Quand l’histoire devient autre chose qu’une image en noir et blanc ou qu’un son usé par le temps… A noter : cette chronique s'inscrit dans le Reading Comic Challenge de Mr Zombi. Un album qui entre dans l'option A mort les superhéros ! A lire : une interview de Jason Lutes sur ActuaBD à l'occasion de la réédition du volume 1 chez Delcourt (2008)

Chronique | Le Bleu est une couleur chaude

scénario et dessins de Julie Maroh Editions Glénat (2010) Public : A partir de 15/16 ans Pour les bibliothécaires : cet album fait tout simplement partie de ma bédéthèque idéale. Comme ça c'est réglé. Prix du public Angoulême 2011 (14,90€)

"Si j'avais été un garçon, Clém' serait tombé amoureuse de moi quand même..."

Clémentine a 15 ans et se rend à son premier rendez-vous galant lorsqu’elle croise une jeune femme aux cheveux bleus dans la rue. Quelques mois plus tard, alors qu’elle est entrainée dans un bar gay par son meilleur ami, elle la retrouve. Elle s’appelle Emma. C'est un coup de foudre et  le début d’une histoire d’amour à la fois douloureuse et profonde entre les deux jeunes femmes… J’ai la faiblesse de croire que les livres peuvent changer l’existence des gens, de croire que l’imagination et la créativité peuvent être plus fort que mille discours moraux. Je suis persuadé que des albums comme Le Bleu est une couleur chaude peuvent apporter des réponses ou apaiser des jeunes gens qui luttent contre leur propre nature, parce qu’elle n’est pas « bien », parce qu’elle n’est pas « normale ». Pourtant, je n’ai pas non plus l’impression que cette BD ait été écrite pour prouver ou démontrer quoique se soit mais bien dans le seul but de raconter une histoire. Le Bleu est une couleur chaude est une simple histoire d'amour, plus compliquée que les autres c'est vrai, mais qui n'en demeure pas moins véritable et terriblement humaine. Cette BD n'est pas militante par son approche, elle l'est par la justesse de ses propos. Julie Maroh réussit à dépasser cette soi-disant différence pour nous montrer un véritable amour romantique. Ici, il n’est pas question de soleil illuminant les champs de blé ni de chamallows grillés au coin du feu, dans ce récit tout est digne malgré la réalité qui n’épargne pas les amours outrageants. Au bout, les sentiments affluent comme une vague… bleu évidemment. En lisant Le Bleu est une couleur chaude, vous passerez par tous les états possible. Cet album fait parti de ces œuvres qui, par on ne sait quelle magie, réussissent l’exploit de former un tout, une copie presque parfaite de l’existence, où durant quelques pages se mélangent la vie et la mort, la renaissance et l’éternité, la joie, les peines, les déceptions… Tout cela est rendu possible par les qualités d’écriture indéniables de Julie Maroh. Son style est impeccable, clair, son scénario alterne les phases d’emballement et de calmes, laissant les silences, l’attente et les sentiments s’installer. Côté graphisme, elle étonne en mélangeant des influences assez classiques (sa bichromie bleu/noir et son trait me rappelle dans une certaine mesure les Sambre de Yslaire) et une part d’onirisme magnifique (des planches pleines pages de toute beauté). Cet album, outre son titre, n’est pas non plus sans rappeler Blue, le chef d’œuvre de la mangaka de Kiriko Nananan. On y retrouve le même plaisir du silence, la même finesse de trait, la même volonté intimiste, la même force surtout. palseches Si je voulais être pénible, je dirais que Julie Maroh n’a pas encore donné toute la mesure de son talent. On peut en effet discuter de certains passages, moins brillant sur le plan graphique et/ou narratif. Mais incontestablement, avec ce premier album – son premier album – elle entre directement dans l’antichambre des grands. Si je voulais m'avancer, ses qualités graphiques et surtout d’écriture lui permettront sans doute de signer des œuvres de très hautes qualités, à la hauteur d’un Fred Peeters ou d’un Larcenet. Il suffit de lire Blast ou Lupus pour vous faire une idée de mon point de vue. Maintenant la patience est de mise. En attendant, je vous invite à relire et à faire lire cet album rare. Le Bleu est une couleur chaude a reçu le prix du public au FIBD d'Angoulême en 2011. Cet album m’ayant été conseillé par Mo’, Choco (et mon Padawan, elle se reconnaitra) il entre donc dans le challenge Pal Sèches de Mo’ (ouf plus que 2 !). Et comme Julie Maroh est une bien jolie fille, il entre également dans le cadre du challenge Women BD de Théoma. Et zou ! A découvrir : le très beau blog de Julie Maroh A voir : toujours sur le site de Julie Maroh, l'émission Un Monde de Bulles consacré à l'homosexualité dans la BD A lire : la critique de Ginie sur B&O, celle de Mo' et tiens celle de Choco aussi !

Nouveau challenge !

L'éternel retour du commencement du début...

On m'y reprendrai plus, je l'avais assuré ! Et pourtant... Après le "Pal Sèches" de Mo' que je n'ai pas terminé (pourtant je fais petit bras), le challenge Women BD de Théoma que je n'ai pas commencé (bon en même temps c'est 1 BD minimum donc ça devrait le faire), me voici avec un nouveau challenge sur les bras ! Le Reading comic challenge de Mister Zombi himself. L'idée est simple : lire un maximum de BD américaine évidemment. De Picsou à Batman, de Crumb à Eisner, vous avez le choix ! Donc pour IDDBD c'est parti pour le niveau Acolyte (5 comics dans l'année) avec non pas une comme proposé au départ mais 2 options : l'option A mort les super-héros (j'vais encore me faire des copains tiens) où il s'agit de lire la moitié de comics sans super-héros et l'option Adaptation qui consiste à parler d'adaptation cinéma, TV, etc d'un comic book. Et bien ça promet ! Donc quand vous verrez ce joli petit logo, et bien vous pourrez dire : 1 de moins !

Chronique | DMZ T.1 Sur le terrain

dmz01scénario de Brian Wood dessins de Brian Wood et Ricardo Burchielli Editions Vertigo, 2007 (2005) Série en cours (7 parus en France) Public : ado-adulte Pour les bibliothécaires : une série qui fonctionnera auprès des amateurs de comics mainstream...

Zone de cliché

Dans un futur proche, les Etats-Unis sont déchirés par une deuxième guerre civile. A New York, où les deux armées se font face, l’île de Manhattan est devenue une zone démilitarisée (DMZ). C’est là-bas que Matthew Roth est envoyé comme assistant d’un célèbre reporter de guerre. Mais dès leur arrivée les événements tournent mal... Avant de commencer cette chronique, je tiens à souligner que je n’ai lu que le tome 1, donc que mon avis ne se porte pour l’instant pas sur la série mais bien sur ce premier épisode. Ceci étant précisé je peux m’atteler à la tâche… J’aimerais dire, comme beaucoup de gens autour de moi, que j’ai été transporté dans l’univers de DMZ. En lisant les nombreuses chroniques concernant cette série à succès, j’ai entendu parler de claques, de politiquement incorrect, d’originalité… Si le postulat de départ est intéressant à défaut d’être complètement original (les situations de guerres civiles, il y en a quand même un paquet dans le monde de la BD). Transformer la grosse pomme en fruit pourri par la folie destructrice, c’est toujours plaisant à imaginer et à voir. Pourtant la multiplication des poncifs m’a totalement empêché d’entrer dans cette histoire. De la coupe de cheveux volontairement post-apocalyptique de l’héroïne médecin du monde, aux méchants journalistes exploiteurs du petit stagiaire, sans oublier les testostéronés militaires à la cervelle d’oiseau (et la reprise de la scène de Full Metal Jacket) … bref, on retrouve à peu près les clichés habituels du cinéma « gros bras » à l’américaine. Seul Matty, jeune anti-héros bien glandu au départ (vous m’envoyez dans la DMZ ? Vous êtes tarés ? Ok, j’y vais…) comprend, certes un peu lentement mais comprend quand même, qu’il va devoir apprendre à se débrouiller pour éventuellement revoir sa Normandie (non ce n’est pas le prénom de sa copine). Dans tous les cas, je vois mal en quoi cet album peut être une claque. Certes, vous me parlerez d’ambiance apocalyptique…  mais l’univers n’a jamais suffi à créer une histoire, c'est au contraire un terreau pour y développer des récits anecdotiques sans pour autant avoir un réel fond. Et c’est d’ailleurs ce qui se passe ici. Quels liens ? Quels fils conducteurs ? Des touches sans profondeurs, du joli spectacle qui n’égratigne pas beaucoup les consciences… Univers futuriste où les pourris sont  l’intelligentsia. Les pauvres sont évidemment les victimes… Rooooh ! Préparons la révolution alors ! Je suis bien embarrassé pour vous en dire plus car effectivement, je ne retiens que cet aspect des choses. Graphiquement, c’est d'une efficace réelle, dans la grande tradition du comics mainstream. Mais je dois avouer que je suis très loin de l’enthousiasme suscité par la lecture de séries comme Transmetropolitan qui, pour le coup, est une vraie claque politiquement incorrect. Ici pas de remise en place et surtout  aucune trace d’autodérision qui pourrait faire éventuellement penser que cette accumulation de clichés américano-occidentaux pourraient être une caricature. Mais l’humour s’est perdu dans un appartement de Manhattan aux vitres explosés et à l’horizon de soleil couchant… I’m poor lonesome  blogueur… A lire : la synthèse de K.BD Je dois cette lecture à la très fameuse Mo' la fée. Cette lecture rentre donc dans le cadre de son challenge Pal Sèches

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Challenge BD : Sorry Mr Zombi !

Challenge-BD-logoVous nous connaissez sur IDDBD, on s'enthousiasme pour des choses, on part un peu n'importe comment et après on oublie. Aujourd'hui nous rattrapons notre erreur en tirant un bon coup de chapeau à Mr Zombi et à son Challenge (le premier auquel participe IDDBD). Alors voilà, nous en avons terminé en remplissant joyeusement notre contrat. Nous avions choisi le Challenge Curiosite en mode Hard avec la clause Warrior. L'idée était que nous devions lire 30 BD, comics ou manga dans l'année avec au moins une dans un style dont nous n'étions pas forcement très amateurs. Pour nous, c'était la BD jeunesse. Donc contrat rempli avec pas moins de 44 volumes lus pour ce challenge et la découverte de 2 BD jeunesses de grandes qualités (Billy Brouillard et La Cité Saturne). Bon, vous allez nous dire, chroniquer 30 BD dans l'année sur IDDBD, avec plus de 600 chroniques en 4 ans 1/2... Oui, c'est vrai. Mais l'idée n'était pas de montrer que nous pouvions le faire, on le savait déjà. Le but était surtout de participer à ce challenge pour partager notre goût et surtout donner l'occasion à d'autres de découvrir de bonnes lectures. Bref, tout ce que nous faisons depuis maintenant un certain temps. Ce fut un plaisir. Maintenant, nous enchainons avec le challenge Pal Sèches de Mo' la Fée. L'idée étant de chroniquer des albums qu'on nous a conseillé. Pour tout vous avouer c'est un peu plus dur car d'habitude c'est nous qui nous donnons notre avis. ^^ Et puis, pourquoi pas un challenge sur IDDBD ? Bon déjà, on va essayer d'assurer le petit rythme de deux chroniques par semaine pris depuis septembre... On verra par la suite 🙂 Encore merci Mr Zombi ! Pour retrouver tous les albums chroniqués, cliquez sur le tag "Challenge BD"