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Chronique d’été #7 | Porco Rosso (Hayao Miyazaki)

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Dans l’Italie des années 30, les pilotes d’hydravion sont les maîtres de la Mer Adriatique. Parmi eux, le nom de Porco Rosso plane au-dessus de tous les autres. Chasseur de prime impitoyable refusant de tuer, ancien militaire devenu pacifiste, il habite seul sur son île et n’a qu’un seul plaisir : entendre chanter sa belle amie Gina dans son hôtel-restaurant au milieu des flots. Mais à force de narguer les pirates de l’air, ces derniers trouvent une solution pour se venger.

Je ne pouvais terminer cet été spécial animation sans parler du film d’Hayao Miyazaki. J’avais l’embarras du choix. De Nausicaa de la vallée du vent à Le Vent se lève sortie en 2013 (mais pas encore chez nous), le cofondateur des studios Ghibli a marqué profondément l’histoire de l’animation. Cependant, parmi ses multiples œuvres, j’attache une tendresse plus particulière à Porco, peut-être l’un de ses films les moins reconnus. A tort.

Car il représente un moment charnière de la carrière d’Hayao Miyazaki. A sa sortie en 1992, Porco Rosso succède à 3 films destinés à un jeune public : Le château dans le ciel, Mon voisin Totoro & Kiki la Petite sorcière. Ce nouveau long métrage se place immédiatement en rupture. Outre le fait qu’il soit marqué dans le temps et l’espace (ce qui n’est pas le cas des précédents… et des suivants), il bénéficie d’un scénario et d’un personnage beaucoup plus sombres. D’ailleurs, avec Princesse Mononoke, Chihiro ou Le Château Ambulant, Miyazaki a continué de creuser le sillon d’une approche beaucoup plus adulte. Il faut attendre Ponyo pour retrouver l’âme d’enfant de Kiki ou Totoro.

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Attention, je n’ai pas écrit que l’innocence et la joie enfantine qui inondent l’œuvre de Miyazaki n’étaient pas présentes. On sourit beaucoup dans Porco Rosso. Entre les pirates et les fabuleux personnages féminins qui ponctuent le récit, on ne s’ennuie pas. Mais il faut reconnaitre que Marco, alias Porco Rosso, est nostalgique, taciturne, solitaire et plutôt renfermé. Il a de quoi. Transformé en cochon par un phénomène inexpliqué, il traine son spleen, ses espoirs et ses souvenirs aux quatre coins du ciel. Car, même laid et difforme, Marco reste l’artiste des pilotes d’hydravions. Ni avions, ni bateaux, juste entre les deux mondes… comme ce héros très complexe à la part d’ombre marquée. Sans aucun doute le premier de ce genre chez Miyazaki. Évidemment, le film se veut être comme souvent, une fable humaniste, qui va, on le devine sans peine, faire sortir le cochon de sa grotte (pas sûr que les cochons vivent dans des grottes mais peu importe, vous avez compris la métaphore). Comment ? Et puis quoi encore ?!

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Alors ensuite évidemment, on retrouve la patte des amateurs du réalisateur : cette façon merveilleuse et tendre de présenter ces grands machines volantes (son papa était le directeur d’une société d’aviation…), ces paysages et ces plans magnifiques qui ponctuent les passages aériens et toujours cette propension à combattre toutes formes de manichéisme. Les gentils sont gentils mais profitent au besoin, les méchants sont méchants mais bon, pas trop quand même car finalement… Au bout du compte, la vie n’est pas si noir, le ciel est bleu et la mer est belle… Au moins autant que les femmes.

Voilà, je termine l’été d’IDDBD sur cette phrase qui ne conclue pas trop mal notre série consacrée au film d’animation. Je me suis bien amusé, j’espère que vous aussi. Allez, la rentrée approche, je m’en vais préparer ma nouvelle chronique BD… Mais, mais, mais… les images ne bougent pas !!!! A l’aaaaiiiiidddddeeee !

A lire : la chronique de Bidib sur le blog Ma Petite Médiathèque (très bon pour les amateurs de culture japonaise)

Et évidemment la bande annonce

 

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un film de Hayao Miyazaki (Japon, 1992)
Public : Tout public

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Chronique | Nausicaä de la vallée du vent (Miyazaki)

Doit-on encore présenter Hayao Miyazaki ? Figure incontournable de l’animation mondiale, créateur des studios Ghibli et des personnages devenus des icônes de la culture japonaise. Pourtant, malgré son énorme talent, il n’est pas facile en 1982 pour l’animateur chevronné de faire aboutir ses projets. Une idée, une rencontre, un manga, un film… une histoire de Nausicaä de la Vallée du Vent, une genèse d’un des plus grands de sa génération.

Storyboard ou manga ?

En 1982, le magazine Animage publie les premiers chapitres d’un nouveau manga : Nausicaä de la Vallée du vent. L’esprit est assez différent des mangas habituel et le succès est quasi-immédiat. Sur la forme, le dessin comme la composition ne s’inscrivent pas dans les règles « classiques » du manga. En effet, on n’y retrouve pas le fameux grapholexique des séries à succès (le nez qui saigne, les gouttes de sueur…), le trait oscille entre réalisme et croquis, presque lancée sur la case. Résultat, pour ceux qui en ont déjà vu, on a parfois l’impression de lire un storyboard dans les premières. Mais un super storyboard où l’on ressent déjà toutes les qualités de l’auteur.

Pour la petite histoire, convaincu par son ami Toshio Suzuki, journaliste au magazine Animage, Miyazaki publie les six premiers chapitres de la série afin de convaincre les producteurs de financer son film d’animation. Devant le succès immédiat de la série, le projet est coproduit voit le jour en 1984 soit un an avant la création des studios Ghibli. Pour autant, Miyazaki ne laisse pas tomber un personnage qui lui tient particulièrement à coeur. Et si l’histoire du film se résume grosso-modo aux premier et second volumes, il la développe dans les albums suivants et créé une saga qui se termine seulement en 1994, soit 12 ans plus tard (avec de longues pauses entre les films).

Début d’une ère

Après la lecture du manga, l’univers du film paraît bien plus pauvre. On n’y voit en fait que des esquisses de l’univers développé dans l’imaginaire de Miyazaki. Le manga fait apparaître toute sa complexité… et sa violence également. Si le film est visible par un public assez jeune, le manga est en revanche beaucoup plus dérangeant.

Car, si le danger est présent dans le film, il est omniprésent dans le manga : la guerre, les combats, la menace de la mer de la désolation, la géopolitique destructrice, l’absence de bon sens des peuples humains, folies, villages gazés, villes englouties, attaques d’insectes géants… Nausicaä , héroïne homonyme d’un personnage de l’Odyssée (une jeune femme qui sauve Ulysse de la noyade… non rien de symbolique là-dedans…) se débat au milieu du chaos. Sans vous développer l’ensemble afin de ne pas gâcher le plaisir, il faudra vous tenir prêt à voyager dans un univers post-apocalyptique d’une rare complexité. Comme c’est souvent le cas avec ce genre de récit, il nous renvoie à nos contradictions présentes (l’absence de réaction face aux problèmes climatiques), à notre passé (le passage du village détruit par la mer de la désolation rappelle les tristes heures de la seconde guerre mondiale) et à notre futur (les dangers du nucléaire, du non-respect de la nature).

Bref, 1000 ans après la quasi-destruction de l’humanité durant les Sept jours de feu, Nausicaä doit encore affronter la nature humaine. Et cette nature ne fait pas rêver… et pourtant cette princesse d’un royaume perdu symbolise l’espoir. Là encore, les personnages eux-mêmes apparaissent comme plus complexes que dans le film. Nausicaä est moins parfaites, plus enclines aux doutes, à la colère, à l’erreur aussi. Mais cette remarque est valable pour l’ensemble des protagonistes apparaissant dans l’anime. Quant aux autres, ceux qui apparaissent au fil des pages, et en particulier les affiliés à l’empire Dork totalement absent du film – ils apportent une touche mystico-politco-fantastique indéniable. En cruauté comme en sagesse, ils ouvrent d’autres portes pour le développement du récit et font de Nausicaä de la Vallée du Vent à la fois un récit de guerre où se débat le personnage éponyme et le récit puissant d’une rédemption.

Tout est déjà présent dans cette œuvre majeure.

Allez juste pour le plaisir la bande-annonce du film (avec la superbe musique de Joe Hisaïshi)

Nausicaä de la Vallée du Vent (Kaze no tani no Naushika) (7 volumes série terminée)
Scénario et dessins : Hayao Miyazaki
Editions : Glénat, 2000-2002

Public : Ados-Adultes
Pour les bibliothécaires : Incontournable.

 

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Chronique | Morphine (Fournier)

Morphine est une jeune fille chargée de récupérer des chimères pour le compte du Professeur Hidestone. Elle possède un don qui lui permet de sentir ces créatures fabuleuses – entre sculptures et êtres vivants – fabriquées par les créateurs à partir d’une substance baptisée matière zéro. Le professeur Hidestone, l’un des plus éminents Créateurs de sa guilde, recherche spécialement les chimères créées par le légendaire Sphinx et Morphine fait du très bon travail. Mais un jour, elle remplit une mission spéciale qui l’entraîne vers des secrets inavouables…

Morphine est un album qui se place d’emblée dans un référentiel très fort. Il suffit de lire la quatrième de couverture pour en être définitivement convaincu. « Un premier roman graphique aussi étrange que fantastique… Quand Miyazaki rencontre David Lynch ?« . Les choses sont clairement posées par les éditions Emmanuel Proust. Je résume : Roman graphique, Miyazaki, David Lynch… Le chainon manquant entre BD et roman (et les noms de Will Eisner, Frank Miller, Alan Moore, Hugo Pratt et j’en passe qui viennent à l’esprit), le maître de l’animation mondiale, la référence du cinéma impénétrable… Juliette Fournier, née en 1985, propose donc une œuvre ambitieuse.

Si la couverture, avec l’héroïne assise sur une chaise entourée d’étranges papillons, rappelle effectivement une atmosphère surréaliste et inquiétante, les premières pages semblent directement issues d’un dessin animé. En fait, j’ai immédiatement pensé à Totaly Spies. Ceux qui n’ont pas d’enfants de moins de 10 ans (filles plutôt) auront du mal à voir. Je n’ai absolument rien contre Juliette Fournier, son dessin est très propre mais je l’ai trouvé plat et quelque peu formaté. Les influences conjointes du manga, de l’anime, du comics et leurs normes graphiques très établies gomment la personnalité dans ce dessin. Résultat, je ne suis jamais parvenu à passer au delà de cette première impression.

Les décors sont extrêmement minimalistes, ils donnent l’impression d’être des maisons témoins servant juste à l’action : pas de personnalité, pas de vie, juste des éléments rajoutés interchangeables. Les personnages sont eux aussi soumis à des règles très précises : tous les garçons sont des beaux gosses sans âges limite asexués, toutes les filles sont menues et kawaï. D’ailleurs, on ne trouve que deux personnages féminins dans ce décor de carton-pâte. Mais le plus énervant est cette couleur informatique sans âme dont la luminosité ne faillit jamais même dans les moments les plus obscurs de l’histoire.

D’un point de vue scénaristique, ce roman graphique est construit comme un jeu vidéo. Nous sommes plus dans un genre de RPG à la Final Fantasy. Le début est linéaire mais au fur et à mesure le monde s’élargit. Nous progressons par étapes vers une conclusion qui s’avère tout de même bien plus intéressante que la première partie de l’histoire grâce notamment à une suite de rebondissements inattendues. Les personnages secondaires n’apportant pas grand chose à cause de leur manque d’épaisseur, je pense notamment à Fear la chimère accompagnant Morphine dans ses missions, l’héroïne se suffit à elle-même. Heureusement, le côté décalé ressentit sur la couverture se retrouve plutôt bien dans l’histoire. Toutefois, les personnes partageant un peu la culture jeux vidéo/manga y verront quelques redites.

Finalement, Morphine est une bande dessinée qui ne  s’émancipe jamais vraiment de ses influences. A la décharge de Juliette Fournier, je ne suis certainement pas le public cible de ce livre, à savoir plutôt jeune et féminin. Moi qui pourtant ne rechigne pas devant un bon shojo type Nana ou Fruits Baskets !  Je trouve assez maladroit de parler sans retenue de « roman graphique » pour cet album. C’est une gentille histoire dont les ambitions sont tout de même limitées. Loin en tout cas du référentiel présenté par l’éditeur : Miyazaki, Lynch… Restons sérieux.

A lire : une interview de l’auteure sur Les Sentiens de l’imaginaire

Morphine (one-shot)
Scénario et dessins : Juliette Fournier
Éditions : Emmanuel Proust, 2012 (15€)

Public : Jeune fille
Pour les bibliothécaires : moi je ne conseillerais pas mais peu plaire aux jeunes lectrices.

NOTE DE LA REDACTION (C’EST MOI) : Comme j’en ai marre de me faire copieusement insulter par le Sieur Pff, je modère les commentaires pendant quelques temps. Merci de votre compréhension.

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Chronique | Le Sommet des dieux (Taniguchi & Baku)

Dans une petite boutique népalaise, Fukamachi tombe sur un appareil photo qui pourrait bien être celui de George Mallory, le célèbre alpiniste qui fut le premier à essayer de vaincre l’Everest. Mallory disparût avec Andrew Irvine, lors de cette ascension en 1924, sans que l’on puisse savoir s’ils sont parvenus au sommet. Et si c’était seulement lors du chemin du retour qu’ils avaient eu cet accident fatal? (synospis BD Gest’)

Retour aux origines

Séquence nostalgie. Le sommet des dieux fut l’une de mes premières lectures de manga. C’est dire si ça commence un peu à dater ! A l’époque, les bibliothécaires se demandaient encore si ces drôles de BD, écrites à l’envers, avaient leur place dans leurs rayonnages. Où devaient-on poser ces fichus code-barres d’ailleurs ! Nous avions perdu nos repères, c’était terrible ! Oh, ça va, on ne se moque pas, hein ! C’est facile avec le recul.

Mais heureusement, Jirô Taniguchi était là pour nous rassurer. Le sommet des dieux avait tout pour apaiser les défenseurs de la BD franco-belge que nous étions. Un trait plus proche de nos habitudes et loin de nos idées reçues : pas de petites culottes volantes ni de violences gratuites, aucuns grands yeux ni personnages stéréotypés… Heureusement avec de la curiosité et du temps, nous avons appris à apprécier la bd asiatique dans toutes ses qualités.

Je remercie mes petits camarades de KBD pour cette occasion de me replonger dans cette série. Pour la petite histoire, Le Sommet des dieux est d’abord un plaisir personnel de Jirô Taniguchi. En effet, ce dernier rêvait d’adapter en manga le roman éponyme de Yumemakura Baku, véritable best-seller au Japon. Ce récit à tout pour plaire : quête identitaire du héros, mystères historiques, figure héroïque – voire mystique – en quête d’absolu et enfin, ce rapport, très japonais, entre l’homme et la nature.

Au-delà du sommet

Encore fallait-il que Taniguchi réussisse son adaptation ! A l’époque, avec la morgue du débutant pensant tout connaître parce qu’il a lu 3 mangas (dont le fantastique Quartier Lointain), je doutais de sa capacité à traiter un récit de sport à cause de son graphisme et de sa façon très personnelle de raconter ses histoires. Mais si Le Sommet des dieux parle d’alpinisme, il raconte surtout, à travers les souvenirs de Fukumaru, l’histoire et la quête de Habu, espèce de génie (des alpages) associable et attachant. D’ailleurs, avec le recul, si l’alpinisme avait été l’unique sujet, je n’aurais sans doute pas été au bout des 5 longs tomes. Mais voilà, qui d’autre que Taniguchi pouvait raconter avec une telle maîtrise cette espèce d’aventure intérieure, cette absolue nécessité d’aller plus haut – au sens propre comme au figuré – de se dépasser ? Doué pour décrire les émotions de ses personnages, j’ai découvert avec Le Sommet des dieux un auteur capable de dessiner les grands espaces, les vides profonds et les horizons lointains avec une qualité remarquable. Il se place ainsi dans la lignée des artistes japonais qui ont fait de l’utilisation de l’espace une marque de fabrique. De plus, par un souci extrême du détail, il évite non seulement l’écueil de la lourdeur d’une partie non négligeable des dessinateurs réalistes franco-belges mais surtout nous emmène dans les plus grands massifs du monde tant en montrant l’homme dans toute sa petitesse face à la montagne.

Mais ce manga n’est pas uniquement une suite de vastes planches de paysages montagneux, il est aussi un manga d’action. Habu, Fukumura et tous les autres subissent les joies et les peurs de l’alpinisme : chutes, avalanches et j’en passe pour ne rien dévoiler. Le réalisme extrême rend très fort les instants de tension et Le Sommet des dieux promet son lot de rebondissements. Là encore, le dessin s’adapte. Taniguchi change son rythme en rétrécissant les cases ou en ajoutant des gros plans, bref en accélérant la narration. Résultat, l’histoire ne souffre pas de grands ralentissements et les non-initiés (comme moi) trouveront un vrai plaisir à suivre les aventures de ces alpinistes. Pour les pro-montagnes, c’est le plaisir absolu !

Avec Le Sommet des dieux, Jirô Taniguchi a réussi le pari d’adapter un roman à succès japonais. Prouvant sa très grande technique, il offre au public une œuvre à la fois dynamique et profonde, tenant en haleine sur plusieurs centaines de planches. L’une des œuvres majeures de l’un des auteurs « passerelles » entre les sphères asiatiques et européennes. A lire absolument.

Le Sommet des dieux (5 volumes, série terminée)
d’après le roman de Yumemakura Baku
adaptations et dessins de Jirô Taniguchi
Éditions : Kana, 2004

Public : Ado-adulte
Pour les bibliothécaires : Incontournable dans la bibliographie de Jirô Taniguchi.

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Chronique | Les derniers corsaires (Houde & Richard)

Durant la seconde guerre mondiale, le lieutenant Woolf est le second du capitaine Wallis sur le Jason, un sous-marin de la Royal Navy prêt à partir en mission. Woolf est ambitieux et ne comprend pas pourquoi, après des années d’efforts, il n’a pas encore son propre vaisseau. Le destin ne va pas tarder à lui offrir des réponses…

L’appel du large est souvent un moyen bien utile de débuter une aventure. Rien de mieux que l’horizon pour se lancer dans des promesses : des jolies filles dans chaque port, du sang, des combats et des larmes. Bref, de quoi s’éloigner pour un instant de la froideur de nos écrans d’ordinateurs pour se chauffer un peu au soleil, sur le pont. Non vraiment, rien de mieux qu’un titre comme Les Derniers Corsaires pour souffler dans les voiles de notre imagination.

Pourtant, dans cet album dont les qualités m’ont rendu très difficile la rédaction de cette chronique, il ne s’agit pas de cela. Ici point de flibustiers mais  la marine militaire avec toute sa rigueur, sa discipline, son honneur, son mérite et sa confiance ne se gagnant que par modestie et travail. Dans ce sous-marin, il n’y a pas de place pour l’approximation. L’horizon est celui du périscope, le sang est dilué dans l’eau de mer, les combats se déroulent sous le secret des vagues dans un jeu de cache-cache mortel. Quant aux femmes : pas l’ombre d’une chevelure, parbleu !

Les derniers corsaires est une évocation des combats sous-marin durant la seconde guerre mondiale. Comme Soldats de Sable (cf chronique de la semaine dernière) Jocelyn Houde et Marc Richard, les deux auteurs québécois de cet album, n’ont pas pris le parti de la fresque historique majeure mais la petite histoire de quelques personnages. En fait, il s’agit surtout d’un récit d’apprentissage. Si le lieutenant Walter Woolf connaît la théorie du combat, il est vite confronté à la réalité et surtout au capitaine Wallis, alias Ed Le Puant. Ce personnage austère particulièrement réussi allie la sagesse du vieux briscard, la noblesse de l’homme d’honneur et la morgue de l’officier. On appréciera également le personnage du capitaine Fielding, fin stratège et orfèvre en combat sous-marin. En y repensant, il n’est sans rappeler le capitaine Stark (Chargez !!!) des Tuniques bleues. Bref, la narration repose essentiellement sur leurs rapports, parfois conflictuels, parfois cocasses, de maître à disciple. Par ce biais, le lecteur est entraîné dans les profondeurs du récit. Les situations s’enchaînent entre moments de tensions,  de guerres et instants de calme, voire de réflexions. Combats et stratégies sont démontrés et expliqués sans lourdeur, les situations sont amenées avec beaucoup de finesse, laissant la place à des rebondissements inattendus. Au bout du compte, tout est précis, orchestré, fluide. La construction en trois temps est impeccable, ça file, on veut en savoir plus. Bref, un récit aussi construit et pensé que les opérations décrites.

Cette super-précision pourrait être un frein à l’émotion. Or, c’est là qu’intervient le travail magnifique du dessinateur Jocelyn Houde qui n’est pas sans rappeler le Christophe Blain d’Isaac le pirate. Une référence ! A première vue pourtant, le trait est simple. Des trames garantissent une relative obscurité à l’ensemble, la couleur est simple également, jouant sur les tons chauds ou froids quand nécessaire. Mais plus on pénètre dans le cœur du récit, plus on s’aperçoit de la virtuosité du dessinateur. C’est puissant et beau quand nécessaire, dynamique ou contemplatif au besoin, ça accroche l’œil immédiatement. Les émotions comme la panique ou la honte sont palpables. Et que dire des brouillards ou des vagues, superbe ! N’ayant pas les qualités techniques pour juger de la qualité d’un dessin, je m’enthousiasme rarement autant sur un illustrateur. Mais il faut bien avouer que peut avant sa mort en 2007, Jocelyn Houde montrait une qualité époustouflante à chacune de ses cases. Loin des critères réalistes, il donnait pourtant une vraie présence à ses personnages et à ses histoires. De quoi laisser un goût très amer à tous les amateurs du 9e art qui aurait pu bénéficier de son talent. Je suis triste à retardement.

Je ne sais qu’ajouter de plus sinon vous inciter à découvrir cet album réédité par La Pastèque cette année. Un album magnifique dressant le portrait de héros méconnus, soldats de l’ombre sous-marine, adepte du jeu d’échecs. Des hommes vrais avec leurs faiblesses et leurs victoires. Un bel hommage par des auteurs québécois qui, une fois de plus, on pense à Michel Rabagliati ou Jimmy Beaulieu, nous gratifient d’un album tout simplement merveilleux. Merci !

Merci aux éditions La Pastèque pour cette découverte (j’ai beaucoup de chance avec cette maison d’édition)

A voir : la fiche auteur sur le site La Pastèque

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Scénario : Marc Richard
Dessins : Jocelyn Houde
Éditions : La Pastèque, 2012 (première édition en 2006)

Public : Amateurs de livres historiques, Ado-adultes
Pour les bibliothécaires : Il y a tant de BD historiques qui n’ont aucun intérêt… Pour une fois que vous avez un bijou, sautez dessus sans attendre. Vos lecteurs vous remercierons !

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Chronique | Frenchman (Prugne)

1803, la Louisiane est vendue par le jeune consul Bonaparte à la toute jeune nation américaine. Dans le même temps, le futur empereur lève la conscription en France. En Normandie, dans le village de Champs-sur-Huguette, Alban Labiche, fils de paysan, frère d’Angèle, est ami avec Louis de Mauge. Ce dernier est également l’amant d’Angèle. Quels liens entre ces personnages, la Louisiane et la conscription ? Le destin et une aventure dans les paysages sauvages et dangereux de l’Amérique inexplorée.

Aventure, aventure

Ce qui attire l’œil en premier lieu avec ce livre, c’est cette couverture aux tons brumeux. On hume l’aventure à plein nez, le danger également. Bref, en l’ouvrant on sait que l’on va être transporté vers des univers bien éloignés de la réalité des grandes villes et des considérations intellectuelles du roman graphique. Ici, c’est de la BD à l’ancienne, avec des jeunes héros insouciants, des vieux briscards qui vont leur apprendre la vie et des méchants bien pourries comme on aime à les détester. Effectivement, pas de surprises, on trouve exactement ce qu’on était venu chercher.

Angèle, par exemple, porte magnifiquement son nom avec son visage doux, ses cheveux blonds, ses fesses rebondies, ce petit côté audacieux et indomptables, cette naïveté de (fausse) pucelle, bref des traits qui sauront séduire ces messieurs. Quand elle se fait presque violer, elle réussit à dire : « Sans votre intervention, je ne sais pas de quoi ce vaurien aurait été capable ». Heureusement, Patrick Prugne joue très bien le coup dans la réplique suivante. Ce qu’on pourrait donc prendre pour de la maladresse se révèle être un petit côté auto-dérision, une gentille façon de se moquer de son personnage.  Quant aux garçons, pas de soucis avec eux, il y a du courage, de l’impétuosité, de la droiture et un côté candide absolument parfait qui les poussent de plus en plus loin dans leur aventure. Bref, des héros de bande dessinée qui ont, eux aussi, droit à quelques répliques bien senties.

La tradition « historique »

Le dessin n’est pas strictement académique. Mais il correspond parfaitement au genre « historique ».  Toutefois, nous ne sommes pas ici dans les critères stricts d’une collection comme  Vécu de Glénat qui cherche un trait très réaliste. La grande qualité graphique de cet album est double. D’abord les couleurs qui sont, à l’image de celles de la couverture, absolument splendides. Elles donnent une vraie atmosphère aux forêts sauvages, aux baraquements des premières colonies mais aussi à ces paysages normands du début du 19e siècle. Ensuite, les cadrages. Patrick Prugne fait ici un remarquable travail sur ces choix en faisant « tourner » ses images autour de ses personnages. Sur une même planche, on peut facilement avoir plusieurs angles. Cela nous permet à la fois de bénéficier d’un regard à 360° sur des paysages magnifiques lors de temps de repos ou de jouer sur les points de vue durant les moments « chauds ».

Bien entendu, comme dans toutes BD réalistes à l’ancienne, on  notera le remarquable travail de documentation graphique et historique. Il nous permet de plonger avec exactitude dans une période et un lieu propice aux grandes aventures. Ici, il ne s’agit toutefois pas de dresser le portrait d’un général mais d’un simple soldat victime d’une chasse à l’homme accompagné d’un trappeur bougon type Davy Crocket à moustache. Ce dernier, personnage historique réel, est d’ailleurs l’archétype du vieux briscard dont je parlais tout à l’heure.

Par les chemins… balisés

Mais très vite, on s’approche des limites de ce type de bande dessinée. Il y a bien sûr le côté un peu vieillot. Mais après tout, c’est dans les vieux pots… vous connaissez le dicton. Non, mon principal reproche est la linéarité du scénario. Hormis le dénouement que je trouve bien vu quoique pas totalement surprenant, je trouve l’histoire très prévisible. Bien entendu, il y a ce long flashback qui permet de comprendre la situation de départ mais globalement, on voit les choses venir de loin, trop loin. J’ajouterais même qu’avec des personnages principaux et secondaires de ce type, très marqué graphiquement par leurs rôles respectifs, proposer un tel scénario signifie s’exposer aux clichés. Heureusement, on se laisse facilement emporter par la narration qui est plaisante et l’atmosphère graphique. Cependant, les quelques rebondissements sont, eux aussi, cousus de fils blancs.

Mais c’est peut-être un point de vue très personnel. Pour moi, le problème de la bd historique est souvent qu’elle cherche à trop se coller à la grande histoire en oubliant quelques peu le récit. Ainsi, malgré un travail remarquable d’inscription dans les faits historiques, on peine parfois à s’accommoder d’une histoire un peu trop simpliste. Voici quelques temps, je disais l’inverse dans un commentaire (sur Habibi je crois) mais simplicité ne rime pas toujours avec linéarité. Ici, nous sommes plus transportés par l’atmosphère que par une véritable action et des rebondissements.

Frenchman est un beau tableau d’un Amérique naissante avec ses violences, ses cruautés, ses beautés naturelles. Graphiquement somptueux, cet album s’inscrit dans un classicisme assumé et ravira les amateurs de BD historiques d’aventures. Cependant, son scénario très linéaire manque un peu de surprises. Une lecture agréable certes, mais loin d’être extraordinaire.

A lire : la chronique de Manuel Picaud sur son blog

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Scénario et dessins : Patrick Prugne
Éditions : Daniel Maghen, 2011 (19€)

Public : Adultes
Pour les bibliothécaires : une bd classique qui ravira les amateurs de bd historique… et pour une fois ce n’est pas une série à rallonge.

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Chronique | La Dynastie Donald Duck T1 (Carl Barks)

Dernière chronique de l’année pour IDDBD ! Dans mon sac de voyage, j’emporte quelques bonnes lectures qui vous retrouverez certainement durant le mois de janvier 2012. J’avais quelques albums sous la main ces derniers jours mais ils ne m’ont pas beaucoup inspiré. Pas du tout même. C’est pourquoi je me suis repenché avec nostalgie sur l’intégrale Carl Barks dont j’avais acheté le premier volume cette année. Pourquoi nostalgie ? C’est tout simplement l’un des premiers héros à avoir bercé mon enfance de lecteur de BD. Si vous lisez cette chronique, c’est grâce (ou à cause) de lui !

Qui ne connaît pas le plus célèbre des canards créé par Dick Lundy pour les studios Disney en 1934 ? Hystérique, colérique, malchanceux mais aussi courageux et espiègle, Donald Duck c’est un peu un monsieur tout-le-monde. De petits boulots en multiplication de dettes, il est comme vous et moi, bien souvent en galère. Mais chose incroyable, il se débrouille toujours pour se retrouver dans des aventures extraordinaires capables de lui faire oublier les multiples soucis de son quotidien. Faut dire qu’avec sa famille… Car Donald n’est pas seul à Donaldville la bien nommée. Il est accompagné par ses neveux (les fameux Castor Junior Riri, Fifi, Loulou), ses cousin Gontran Bonheur et Gus, sa jolie cousine Daisy, Grand-mère Donald, et surtout le non-moins célèbre Scrooge Mc Duck alias Onc’Picsou, le canard le plus riche du monde. N’oublions pas non plus Géo Trouvetou, les Rapetou ou Miss Tick

Mais tout ça, vous le connaissez aussi bien que moi. Sauf si vos parents communistes vous interdisaient de lire cette « littérature capitaliste », vous avez sans doute parcouru les multiples chasses au trésor ou les improbables aventures du quotidien dans l’univers Duck. Le titre de ce premier recueil, La Dynastie Donald Duck, n’est pas qu’un simple titre, c’est la réalité d’un univers riche développé presque exclusivement par un seul homme : Carl Barks. Celui que l’on surnommait affectueusement l’homme des canards a consacré 40 ans de carrière au palmipède à vareuse, a écrit plus de 700 histoires. Comme tous les grands auteurs, il a lui-même des héritiers. Citons l’américain Don Rosa et sa Jeunesse de Picsou.

Paradoxalement, les amateurs de bandes dessinées européennes voient plutôt d’un mauvais œil les publications Disney. Ersatz de sous-BD uniquement bonnes à figurer dans des magazines pour enfants vite lu et vite oublier ? On ne peut pas toujours leur donner tord, il y a beaucoup de choses inintéressantes. Cependant, les œuvres de Carl Barks sont marqués d’une griffe particulière qui les font immerger. Je crois qu’on appelle ça le talent.

En 60 ans (1950-1951 pour ce volume) certaines histoires sont devenues un peu désuètes. Cependant la plupart ont gardé beaucoup de dynamisme et d’intérêt. Si dans les formats courts (entre 10 et 15 planches pour la plupart) l’auteur n’a pas eu le temps de tergiverser, allant droit au but dans sa narration, les histoires aux formats plus longs (entre 30 et 40 planches) sont des véritables exemples de construction de scénarios. Il alterne péripéties et temps morts, suspense et révélations. Pas de doute, Carl Barks était un conteur. D’ailleurs 60 après, les enfants – je sais j’ai testé avec mes filles– accrochent très facilement à ses histoires (faussement) simples.

Mais à quoi reconnaît-on une bonne BD ? Allez, je suis certain que vous avez la réponse ! Je l’ai déjà dit en plus ! Bon ce sont les vacances alors je passe pour cette fois. Une bonne BD c’est une adéquation parfaite entre scénario et dessin. Est-ce le cas ici ? Oui, assurément car tout le travail narrative se retrouve également dans le dessin. Contrairement à plusieurs bande dessinée jeunesse européenne des années 60, le graphisme de Carl Barks n’est pas vraiment marqué par le temps. Si les décors simples mais réalistes sont ceux du monde des années 50 (comme les décors de Tintin par exemple), les caricatures cartoonesques n’ont pas pris une ride. Donald et ses camarades sont toujours en mouvement. Rien n’est statique même si le découpage est très classique. Comme ses histoires, Carl Barks signe un dessin d’une efficacité d’orfèvre, un travail d’artisan et d’artiste.

Pour ces fêtes, je vous conseille donc de vous repencher sur ce grand ancêtre de la bande dessinée américaine disparu en 2000. Cela vous permettra de jeter un autre regard sur des productions souvent mal connues par le public européen. Mais c’est vrai que Disney n’a autorisé la publication au format album que très récemment en Europe. Alors n’hésitez pas, jetez vous sur ces petits trésors d’inventivités. Il ne me reste plus qu’à vous souhaitez de joyeuses fêtes ! Et j’espère que le père Noël vous aura apporter quelques bonnes BD… Si il lit IDDBD, ça devrait le faire !

A voir : la fiche album chez Glénat
A lire :
la biographie de Carl Barks sur wikipedia

Titre : La dynastie Donald Duck : sur les traces de la licorne et autres histoires (5 volumes parus)
Collection : Intégrale Carl Barks
Editions : Glénat, 2010, 29€
Editions originales : Disney

Public : Jeunesse
Pour les bibliothécaires : un grand classique de la bande dessinée mondiale. Un maître tout simplement.

 

legendedelagarde

Chronique | Légendes de la Garde T.2 Hiver 1152 (Petersen)

Après un automne qui a vu l’un des leurs se rebeller et tenter de prendre le pouvoir, la Garde est soumise aux rigueurs de l’hiver. Alors que les stocks de vivres et de médicaments s’épuisent, Gwendolyn, la matriarche, décide d’envoyer des émissaires dans les cités du Territoire dont la Garde assure la sécurité. Un voyage long et difficile attend les valeureux soldats, surtout quand ces derniers sont… des souris !

Légendes de la Garde est un subtil mélange d’influences variées, une cuisine dont les ingrédients sont connus de tous. Il nous permet de nous exclamer « Ah ! Tiens il y a comme un goût de… ». Mais, comme par enchantement sorti d’un chapeau d’archimage, on ne trouve jamais véritablement la recette qui rend cette lecture pourtant unique. Tentative de décryptage.

La mini fantasy

Tout au long de ma lecture de ce second volume (et je n’avais même pas lu le premier), j’ai convoqué tour à tour la Garde de la Nuit du Trône de Fer avec sa fantasy-réaliste (sans vraiment de magie), la dimension épique d’un Tolkien ou d’un Robert E. Howard (Conan), l’anthropomorphisme poétique d’un De Capes et de Crocs ou celui plus sérieux d’un Blacksad. Bref, Légendes de la Garde c’est un peu tout ça… mais pas complètement.

Au milieu de tous ces grands noms de la BD et de la littérature, les vaillantes petites souris se sont frayées un chemin dans la neige de cet hiver 1152 et dans mon esprit de bédéphile amateur de fantasy. Moi qui pensait qu’il en faudrait beaucoup pour m’émerveiller de nouveau pour ce genre malmené par le marketing. Mais comment David Petersen a-t-il réussi à me passionner pour des êtres de 4 cm de haut (pour les plus grands) affrontant des hiboux ? Ça le fait quand même un peu moins que des dragons !

Nous pourrions évoquer la transformation des protagonistes habituels. En effet, adieu les humains, elfes, orcs, nains, dragons pour souris, lièvres, belettes ou chouettes. Approche originale qui apporte un regard neuf sur le genre et relativise la portée « épique » des exploits. Mais après tout, ces héros n’ont-ils pas autant de mérite à affronter des « monstres » de notre quotidien ? Assurément, leur courage nous parle sans doute davantage.

Mais il serait idiot de limiter la qualité de cette série à cette simple transposition qui s’avère surtout importante pour mettre en avant l’essence même de ce style de littérature. Je ne vais pas reprendre ce que j’ai pu écrire plusieurs fois (cf la synthèse d’ouverture du mois heroic-fantasy sur KBD) sur la relative dégradation de la qualité de ces récits en BD. David Petersen ne cède aucunement devant la demande « gros bill ». Ici, pas de grosses épées, ni de filles dénudées (tout le monde est à poil mais ça reste soft…). Non, l’importance est dans le récit lui-même, dans son déroulement et dans l’interaction des personnages avec l’univers créé.

Univers et héros

Un univers auquel on croit immédiatement grâce à la grande qualité graphique de l’auteur. Son trait réaliste lorsqu’il dessine des décors bourrés de détails donne une grande force aux attitudes humaines de ses personnages souris. Il suffit de regarder Celanawe, le vétéran de la Garde, en couverture pour s’en persuader : droit, attentif, fort devant la tempête, un charisme, une présence…

Cette grande qualité graphique est renforcée pour le sens de la composition de David Petersen. Il ouvre ses cases sur des paysages, donne du rythme en changeant sans cesse ses angles de vue.  Cette approche presque cinématographique permet de percevoir le Territoire dans toute sa diversité. Dois-je aussi parler de la couleur souvent somptueuse ? Non ? Alors je continue.

Dans la recette de la fantasy, développer un bon univers est essentiel. Mais cela ne suffit pas pour réussir son plat. Il faut également ne pas prendre son lecteur pour un imbécile. Et là, devant la banalité de l’histoire on se dirait presque dommage. En effet, c’est une histoire de base pour rôliste débutant (ou maître de jeu fainéant) : aller d’un point A à un point B et revenir à A dans un temps limite. Mais on tombe de nouveau dans le piège. Légendes de la Garde reprend certes un schéma classique de la quête, une narration déjà utilisée dans des œuvres comme La Quête de l’Oiseau du temps ou Légendes des Contrées Oubliées, mais comme dans ces derniers les rebondissements sont nombreux et le rythme ne baisse jamais. L’auteur s’amuse à détourner le classique pour nous emmener un peu plus loin.

Cette histoire tient tout autant au charisme de ses personnages qu’à son scénario. Là encore, nous avons les figures classiques : le soldat intrépide, le stratège, le sage, le jeune premier et le vieux briscard… bref de quoi voir venir. Mais là encore, nous sommes pris dans la quête générale et personnelle de ces personnages. Chacun devra vaincre ses démons, chacun trouvera une grâce dans leurs errances et le danger. Mais c’est à ce moment que je m’arrête car finalement, à trop réfléchir à cet album, on commence à se poser trop de questions. Peut-être est-il juste nécessaire de se laisser porter plus loin, dans les contrées du Territoire, de se laisser porter par les chroniques des scribes et les chants des héros. C’est beau et ça nous suffit.

Réussi Légendes de la Garde ? Clairement ! Et pourtant, j’ai entamé ma lecture par le second volume. Un série réunissant tout les poncifs de l’heroic-fantasy mais qui réussit à les dépasser avec beaucoup d’élégances. Un récit de très grande qualité graphique et narrative qui ne se perd jamais dans la facilité même s’il reste très simple. A lire pour les amateurs du genre, une porte ouverte pour les autres.

A lire : l’avis de Theoma et d’Emmyne
A voir : le site officiel

Scénario et dessins : David Petersen
Édition : Gallimard (2011), 20€
Titre original : Mouse Guard – Winter 1152
Édition originale : Archaia Entertainement (2009)

Public : Jeune public et +
Pour les bibliothécaires : Essentiel, un livre référence dans ce genre là. Les livres d’HF de qualité pour le jeune public sont suffisamment rare pour ne pas passer à côté.

A noter : cette série a reçu deux Eisner Awards en 2008

 

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Chronique | Milady de Winter (T.1)

Pendue à un arbre totalement nue, la comtesse de la Fère n’est a priori plus qu’un cadavre. Mais miraculeusement, elle reprend vie et réussi à se dégager. Rentrant au château, elle apprend que son mari s’est enfui après lui avoir fait subir ce sort funeste. Qu’à cela ne tienne, elle part à son tour, pour oublier sa vie antérieure et surtout cacher son infamie. Finalement la comtesse est bien morte car une nouvelle femme est née de ces malheurs… Une femme aussi dangereuse que belle, l’espionne préférée de Richelieu, ennemie des mousquetaires… La légendaire Milady de Winter !

Adaptation, réinvention

Même si adapter Les Trois Mousquetaires d’Alexandre Dumas est un pari ambitieux, il n’est pas d’une folle originalité. Étant donné le nombre de films, livres, dessins animés et même bandes dessinées sur le sujet, réussir à faire quelque chose de véritablement différent n’est pas chose aisée.

Mais prendre comme héroïne principale, la méchante de service, la femme la plus machiavéliques de la littérature classique, la belle et intelligente Milady de Winter est déjà en soi un sacré pari ! Une idée certes simple mais qu’il fallait osé. D’autant plus que c’est une excellente surprise car on redécouvre ce personnage sous un autre jour. Agnès Maupré réussi l’exploit de réinventer ce mythe tout ou gardant son essence. Un grand travail de réappropriation !

Cette Milady est une femme splendide à l’apparence aussi légère et gracieuse que le trait aérien et faussement naïf d’Agnès Maupré. Un  trait dans la même lignée qu’Aude Picault (Transat, Comtesse) ou Lucie Durbiano (Orage et desespoir, Le rouge vous va si bien) et surtout Joann Sfar avec qui elle a longtemps travaillé.  Mais sous ce masque se cache une écorchée, une romantique déçue, une femme originale qui porte sur le monde un regard d’une grande lucidité. Cynique pour les uns, charismatique pour les autres, opportuniste, vengeresse et manipulatrice, vous apprécierez sans aucun doute ce personnage finalement très humain, se laissant aller à ses envies dans l’intimité et totalement en contrôle lorsqu’elle sort dans le monde, capable de colère et d’amour sincère, capable de vengeance et d’érotisme.

Anti-héros et héroine

Mais une belle héroïne ne suffit pas pour réussir un album. Milady n’aurait pas cette présence sans la galerie de personnages issus de l’œuvre originale. Ils sont autant de miroirs déformant la belle. Et là, Agnès Maupré s’en donne à cœur joie en prenant le contre-pieds de l’imagerie populaire. D’Artagnan et ses amis mousquetaires, la Reine, le Duc de Buckingham, Constance, homme ou femme, chacun subira la férocité de la scénariste : quand la gente masculine apparait comme des phallocrates de première catégorie pris entre leurs pulsions sexuelles et leurs romantismes douteux, les femmes ne sont que manipulations, suffisances et imbécilités. L’idiotie, l’apparence et la morale sont les deux mamelles de l’univers de cet album. Finalement, un seul personnage secondaire semble s’en tirer avec les honneurs… le Cardinal de Richelieu !

Transformé en mentor (voire en double) de la belle espionne, il apparaît comme l’homme politique manipulateur et malin. Tout aussi cynique que sa protégée, on lui doit quelques unes des plus belles répliques du livre : « une homme d’état et une espionne ! Nous ne pouvons nous comporter comme si nous étions du genre humain ». Bref, un personnage plus à la hauteur de sa réputation !

Ces anti-héros apportent chacun une pierre pour comprendre le mur qui sépare notre héroïne du monde commun. Et qu’y voit-on ? Une femme résolument moderne, intrigante, contrainte par la vie à chercher une indépendance dans un monde dirigée par des lâches et des bandits. Finalement, on se pose une question : cette bd est-elle féministe ? Pour moi, c’est surtout un portrait passionnant de femme que je rapprocherai aisément de Martha Jane Canary, autre très bonne bande dessinée racontant la vie de Calamity Jane. Il y a une très grande force dans ces deux héroïnes mais chacune d’elle reste humaine et fragile même si la vie ne les y autorisent pas. C’est sans aucun doute la faiblesse du personnage de Milady mais en aucun cas de cet album.


Pour conclure, on ne peut que vous conseiller la lecture de cet album. Une adaptation originale d’une très grande qualité. Beaucoup de rythme et un vrai plaisir de lecture. Même en connaissant l’histoire originale, les surprises seront au rendez-vous ! Une très grande maîtrise de la jeune Agnès Maupré. Série et auteure à suivre… et de près !

scénario et dessins : Agnès Maupré
d’après Les Trois Mousquetaires d’Alexandre Dumas
Editions : Ankama , 2010
Public : Ado-adultes
Pour les bibliothécaires : alors que nous achetons a peu-près toutes les  catastrophiques adaptations littéraires en bande dessinée sous le prétexte que se sont des adaptations de grands livres, ne passons pas à côté de ce petit bijou !

palsechesA voir : la très bonne critique de Sébastien Naeco sur Le Comptoir de la BD
A découvrir : le blog d’Agnès Maupré
A lire : les 10 premières planches sur BD-Gest’

A noter : cette lecture ayant été conseillé par Tristan de Bulles & Onomatopées, elle entre donc dans le cadre du challenge « Pal Sèches » de Mo‘.

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Chronique | Vinland Saga

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scénario et dessins de Makoto Yukimura

Edition française : Kurokawa (2009 pour le vol.1)
Edition originale : Kondasha (2005 pour le vol.1)
Public : A partir de 16 ans
Pour les bibliothécaires : une série intéressante, à rallonge sans aucun doute, sélectionnée pour le prix ACBD asiatique 2011.

En l’an mil, Thorfinn, un jeune guerrier viking, écume les mers et les rivières d’Europe dans des campagnes de pillages dignes de la réputation des hommes du nord. Si celui-ci fait partie de l’équipage d’Askelaad, ce n’est pas par loyauté envers son chef mais bien dans l’espoir de le tuer en combat singulier. En effet, ce dernier a tué son père lorsqu’il était enfant. A travers cette histoire de vengeance, Vinland Saga est un récit épique sur ces guerriers du froid qui nous entraîne de l’Islande à l’Angleterre jusqu’aux mythiques terre du Vinland, de l’autre côté de l’océan.

Vinland Saga fait partie de ces grands récits d’aventures typique du manga. Un seinen (manga pour hommes) tout en puissance où l’intrigue se joue entre luttes de pouvoir, trahison et grosses épées. Nous ne sommes pas dans la poésie et dans la finesse, les amateurs de fleurs bleues risquent de ne pas trouver leur compte. Mais il faut avouer que tout cela est très efficace et les amateurs d’histoire et d’aventure devraient trouver ce qu’il cherche.

Outre un graphisme tout à fait agréable et pour une fois lisible dans les phases de combat, la réussite de Vinland Saga tient avant tout à la vraie présence de ses personnages principaux et secondaires (et ils sont nombreux). Même si ces derniers répondent aux critères habituels des récits d’aventure historique, ils ne sont pas non plus des pions qui se baladent sans réfléchir. Ainsi, les rythmes de l’histoire se basent sur leurs décisions. Des chapitres entiers peuvent être tendus comme un arc alors que d’autres seront bien plus calmes laissant l’histoire suivre son cours. Les nombreux focus et flashbacks enrichissent l’ensemble du récit et surtout apportent une profondeur d’âme aux différents protagonistes. De plus, leurs positions sont rarement figées. Les limites, un peu trop manichéenne dans ce genre d’histoire, sont vite gommées par le jeu des rebondissements et des alliances… parfois inattendues.

Bon, avouons-le quand même, les rebondissements sont tout de même parfois un peu gros, je ne dévoilerais rien mais on sent que le besoin de relancer le récit à de temps en temps amené l’auteur à tirer un peu sur la corde. De plus, je trouve ces vikings et leurs échelles de valeurs assez proches du samouraï… un peu trop proche même pour des occidentaux. Je ne suis pas du tout un spécialiste des mœurs des combattants médiévaux (mon truc à moi c’est la BD) mais la notion d’individualité du guerrier, avec ces grands chefs de guerre capables de transformer par leur seule présence des batailles entières, des guerriers légendaires capables de tuer 30-40-50 guerriers à eux seuls, me semble un peu éloigné non seulement de la réalité historique (bon c’est une fiction, ok) mais aussi des notions occidentales. Parfois, j’ai eu l’impression de lire un manga de samouraï et de retrouver en Thorfinn des archétypes comme Ken Le Survivant (qui aurait décidé Makoto Yukimura à devenir mangaka), Naruto et tous les célèbres guerriers de la bande dessinée japonaise.

Toutefois, Makoto Yukimura ne tombe pas non plus dans ce qu’on reproche, parfois à tord, à ce genre de manga. A savoir, une certaine célébration de la violence. Au contraire Vinland Saga, avec des scènes parfois difficile et sous les traits de son personnage principal, dénonce l’absurdité de la guerre et de la vengeance. Point de vue courageux et contradictoire et avouons-le plutôt réussi. Il faut également reconnaître le travail énorme de documentation effectué par l’auteur sur cette période historique. Il a en effet décrypté leur société, prenant le partie de certaines théories ou non (les fameux mercenaires Jomsvikings dont la réalité fait débat) et a intégré tout cela dans un récit qui est tout de même assez passionnant et original par son contexte et sa géographie exotique (pour un manga).

Bref, Vinland Saga est une lecture des plus agréable, bien construite sans pour autant être d’une révolution folle. Un très bon seinen qui se plonge dans une réalité historique parfois cruelle (même très dure dans certains chapitres). Bref, un très bon moment de lecture avec du sang, des tripes, mais aussi des doutes, des larmes, de la poussière, des embruns et… du casque à cornes. Bref, tout ce qu’on aime quoi !

A lire : la fiche album sur manga-news
A lire : une chronique intéressante sur le site Journal du Japon